La présence de Ben Whishaw, lauréat des BAFTA, et d’Emma D’Arcy, lauréate du Golden Globe de House of the Dragon, a été l’appât pour beaucoup de ceux qui ont tenté d’obtenir un billet pour cette adaptation en grande partie à guichets fermés du livre de Maggie Nelson sur le chagrin et la dépression. Mais cette production abstraite et technologique de la pionnière du cinéma live Katie Mitchell n’est pas le genre de véhicule qui sera en lice pour d’autres récompenses.
Ce sont deux volets du même personnage, Kayla Meikle jouant le troisième. Debout devant des micros face au public, ils terminent leurs répliques tout en manifestant collectivement les pensées troubles d’une femme qui lutte pour faire face à une rupture douloureuse.
Ce sont cependant des performances résonnantes. Whishaw apporte une mélancolie maussade au personnage anonyme, tandis que D’Arcy capture son inquiétude à travers les yeux larmoyants et les lèvres mâchées. Meikle semble mieux accepter son sort, mais aussi plus isolée.
Au lieu de se concentrer sur une histoire plus large et à plusieurs volets, l’adaptation de Margaret Perry est une déconstruction obsédée par certains de ses thèmes récurrents. Son personnage est obsédé par la dernière vision de son ex se dirigeant vers la mer avec son nouvel amant. Et grâce à une utilisation impressionnante des caméras et des écrans, les acteurs – agissant en direct, ne quittant jamais la scène – semblent superposés à des scènes se déroulant dans les ruelles de Brighton ou lors de voyages solitaires à travers Londres.
C’est le meilleur de la conception vidéo théâtrale, mais dans une production qui met déjà son public au défi de suivre une histoire fragmentée et non linéaire et un personnage divisé en trois, son activité peut donner lieu à une vision déroutante.
Il s’agit de la première commande du nouveau directeur artistique David Byrne pour le plus grand espace situé au rez-de-chaussée de la Royal Court et elle donne le ton d’une première saison qui promet d’attirer des talents de premier plan tout en s’engageant dans un théâtre audacieux et expérimental. C’est excitant de le voir soutenir davantage le travail de Mitchell, dont l’excellente production de Little Scratch a déjà été reprise au dernier repaire de Byrne, le New Diorama.
Bluets tire son nom de l’obsession amoureuse de son personnage pour la couleur bleue. La scène apparaît teintée de tons de celui-ci, tandis que les images sur les écrans voltigent d’une piscine au bord de mer et à un nid d’oiseau rempli de trésors bleus : un bouchon de bouteille, un emballage de bonbons et des billes. Son caractère pensif rappelle également les références de la couleur dans la culture, de la littérature à la musique de Joni Mitchell et Billie Holiday, la philosophie de Platon et l’art de Van Gogh – notant à quel point elle signifie souvent un état d’esprit dépressif et suicidaire.
C’est sombre, mais ce n’est pas ce qui empêche cette production de briller : malgré un casting de premier ordre, des sources convaincantes et l’intégration harmonieuse de la technologie, ces éléments ne se figent pas et semblent souvent en conflit les uns avec les autres sur une scène encombrée.
Le livre de Bluets est loué pour sa description vivante et empathique de la vie avec la dépression. Ici, toute tentative visant à favoriser notre compassion est éclipsée par l’ambition de nous séduire avec style.
Bluets joue au Royal Court jusqu’au 29 juin